هفته مد مردانه پاریس پاییز – زمستان ۲۰۲۶-۲۰۲۵

جامه پوش: برند لانوان (Lanvin) یکی از برندهای باسابقه و با اصالت دنیای مد است که با قدمتی ۱۳۶ ساله، هم‌چنان استایل شیک فرانسوی خود را حفظ کرده است. این استایل که همواره محبوبیت زیادی داشته، می‌توان گفت هیچ‌گاه از مد نمی‌افتد. مجموعه‌ی پاییز ۲۰۲۵ این برند نیز تلاش کرد تا همین حس کلاسیک و جاودانه را بازآفرینی کند.

لانوان اخیراً مدیر خلاقیت خود را تغییر داده و این اولین مجموعه‌ای بود که تحت مدیریت پیتر کاپینگ (Peter Copping) طراحی و اجرا شد. کاپینگ که فارغ‌التحصیل دانشگاه سنترال سنت مارتینز است، پیش از این در برندهای مشهوری مانند بالنسیاگا، لویی ویتون، نینا ریچی، و اسکار د لا رنتا فعالیت کرده و به جایگاهی برجسته در صنعت مد دست یافته است.

منبع الهام اصلی این مجموعه، بنیان‌گذار برند لانوان، یعنی ژان لانوان (Jeanne Lanvin) بود. یکی از امضاهای اصلی ژان استفاده از رنگ آبی خاصی بود که در طراحی‌های این مجموعه نیز به چشم می‌خورد. کاپینگ تلاش کرد تا استایل کلاسیک ژان لانوان را با رویکردی مدرن بازطراحی کند.

او با جست‌وجو در آرشیو طراحی‌ها و حتی پوشاک شخصی ژان لانوان، منابع الهام‌ خود را انتخاب کرد. تمرکز ویژه‌ی او در این مجموعه بر پارچه‌های شیک، تزئینات مینیمال، و ترکیب رنگ‌های خاص بود. هم‌چنین، استایل دهه‌های ۲۰ و ۳۰ میلادی نیز یکی دیگر از منابع الهام این مجموعه بود.

این کالکشن شامل ۶۴ لوک بود و در پاویون گبریل پاریس (Pavillon Gabriel)، مکانی معروف برای برگزاری ایونت‌های شیک و سطح بالا، به نمایش درآمد. این شو با طراحی ران‌وی ساده و شیک، هماهنگ با استایل کلاسیک لباس‌های مجموعه برگزار شد.

در ردیف اول نمایش، چهره‌هایی مانند جردن راث (Jordan Roth)، تهیه‌کننده‌ی تئاتر، گو گوانگ‌چانگ (Guo Guangchang)، بیلیونر چینی، و خواننده‌های جز، لوفی (Laufey) و جونیا (Junia) حضور داشتند.

کالکشن پاییز- زمستان برند Jacquemus

آیا تا به حال فکر کرده‌اید اگر برند ژکوموس در دهه‌ی 1950 مشغول به فعالیت بود، چه لباس‌هایی تولید می‌کرد؟ کالکشن پاییز-زمستان 2025 برند ژکوموس با نام “La Croisière” در واقع پاسخی به این سوال بود. سیمونه پورته ژکوموس، جدیدترین مجموعه‌ی خود را با الهام از مد دهه‌ی 50 میلادی، زرق‌وبرق عصر طلایی هالیوود و فشن فرانسوی پس از جنگ جهانی دوم طراحی کرده بود. در این کالکشن از سیلوئت‌ ساعت شنی متعلق به دهه‌ی 50 و در عین حال پترن‌های راه راه، خال خالی و گورخری، فرم‌های هندسی در سیلوئت‌ها، تأکید بر زنانگی و بازیگوشی و رمانتیسم که از مشخصه‌های اصلی برند ژکوموس هستند؛ استفاده شده بود و به نوعی ترکیبی از زمان حال و گذشته را ارائه می‌داد.

این کالکشن 41 لوک را شامل می‌شد که بر تن مدل‌های مشهوری چون کریستی ترلینگتون، آدریانا لیما، ایرینا شایک و دوتزن کروس به نمایش گذاشته شدند و مورد تحسین قرار گرفتند. این مجموعه، نظرات مثبت بسیاری را به خود جلب کرد، تا آن‌جا که این کالکشن را در سطح اوت کوتور توصیف کردند.

هم‌چنین همکاری‌های انجام‌شده در این فشن‌شو مورد توجه قرار گرفتند. برند ژکوموس طی همکاری با برند اپل، برای اولین بار فیلم‌برداری کامل یک فشن‌شو را با آیفون 16 پرو انجام داد که نمونه‌ای از اشاره به زمان حال در این فشن‌شو بود. از سوی دیگر، ژکوموس در همکاری با برند نایکی از کفش‌های نوستالژی “Moon Shoe” در این کالکشن استفاده کرد که نمونه‌ای از اشاره به زمان گذشته در این فشن‌شو محسوب می‌شد.

از دیگر نکات قابل توجه این نمایش، می‌توان به لوکیشن آن اشاره کرد که بر خلاف بسیاری از ران‌وی‌های قبلی این برند، فضایی کوچک و صمیمی بود. این فشن‌شو در آپارتمانی متعلق به سال 1932 و با طراحی معمار فرانسوی مشهور، آگوست پره، برگزار شد و 45 مهمان را میزبانی می‌کرد که در میان آن‌ها افراد مشهوری چون تایلا، کارلا برونی و پاملا اندرسون حضور داشتند.

Chitose Abe این فصل با الهام از کتاب کودکانه‌ی مشهور«Where the Wild Things Are» اثر موریس سنداک‌بود.

آبه درباره‌ی همکاری‌های خود با Carhartt، Ugg و J.M. Weston گفت: «می‌خواستیم دوستانمان را به دنیای بکر و وحشی ببریم و همراهشان قدم بزنیم.» او همچنین تأکید کرد که این لباس‌ها با وجود استفاده از پارچه‌های ضخیم و لایه‌های سنگین، به گونه‌ای طراحی شده‌اند که بخش‌هایی از آن برای فصول معتدل قابل جداکردن باشد.

خزهای کرکی و بلند در بخش‌های مختلف لباس‌ها دیده می‌شدند؛ از شال بزرگ و کرکی که روی کت مخمل کبریتی زیتونی انداخته شده بود، تا آستر کت قهوه‌ای با حال‌وهوای دهه‌ی هفتاد میلادی و حتی روی آستین‌های کت‌های ترنچ و کت‌وشلوارهای پشمی مشکی. برخی بوت‌های بلند و خزدار چنان حجیم طراحی شده بودند که تداعی‌کننده شخصیت«Cousin It» از خانواده آدامز بودند.

پوست گوسفندی (Shearling) نیز از جزئیات برجسته‌ی این مجموعه بود. این متریال در بوت‌های ضخیم، کفش‌های کوهنوردی، کت‌های هودی‌دار و حتی در آستر کت‌های پشمی شکلاتی‌رنگ با یقه بلند استفاده شده بود.

این کالکشن با ترکیب متریال‌های متفاوت، طراحی‌های لایه‌ای و تناسبات نوآورانه، واقعیت زمستان را با حال‌وهوای خیال‌پردازی در هم آمیخت. Sacai بار دیگر نشان داد که چگونه می‌توان با حفظ کاربردی بودن لباس، مفهومی هنری و متمایز به پوشاک افزود.

فشن‌شو مردانه‌ی پاییز- زمستان 2025 برند آمریکایی ویلی چاواریا برای اولین بار در پاریس برگزار شد. ویلی چاواریا جدیدترین کالکشن خود را با نام رتیل (Tarantula) در کلیسای جامع آمریکایی به نمایش گذاشت و با اجرای جی بالوین حضار را غافلگیر کرد.

این طراح مکزیکی- آمریکایی درباره‌ی منبع الهام خود برای این مجموعه توضیح داد: “من در این فصل بیش از هر چیزی به مفهوم سایه‌روشن (chiaroscuro) فکر می‌کردم. نور و تاریکی، سرما و گرما، لطافت و ضخامت و این حقیقت که تعادل میان این موارد است که زندگی را زیبا می‌کند.”

با توجه به صحبت‌های مدیر خلاقیت این برند می‌توان گفت که این مجموعه با 62 لوک، در واقع روایتی از خیر و شر را ارائه می‌داد. ویلی چاواریا برای خلق این کالکشن از نقاشی‌های کاراواجو هم الهام گرفته بود و برخی از پارچه‌های استفاده‌شده در این مجموعه، از جمله مخمل‌های ضخیم و ساتن‌های سنگ‌شور شده با الهام از آثار این هنرمند ایتالیایی انتخاب شده بودند.

ویلی چاواریا که به مبارزه با سیاست‌های نادرست، تبعیض نژادی و تبعیض جنسیتی در طراحی‌هایش شناخته می‌شود، درباره‌ی این کالکشن هم تأکید کرد که قصد دارد از موقعیت و جایگاه خود در صنعت فشن در جهت ایجاد یک تأثیر فرهنگی مثبت استفاده کند. او هم‌چنین بیان کرد که طراحی‌های او متعلق به همه‌ی افراد از جمله اقلیت‌های جنسیتی، مهاجران، مردان و زنان با هر رنگ پوست و با هر ظاهر و اندامی هستند. این پیام که در طول فشن‌شو به مخاطب منتقل می‌شد، در دقایق پایانی به اوج خود رسید؛ چرا که موعظه‌ای از کشیش ماریان باد پخش شد که در آن از رئیس جمهور جدید ایالات متحده -دونالد ترامپ- درخواست می‌کرد تا با همه‌ی انسان‌ها با نجابت، شفقت و احترام رفتار کند.

Veronique Nichanian در یک روز بارانی در پاریس، کالکشن مردانه‌ی پاییز–زمستان ۲۰۲۵ Hermès را رونمایی کرد و با الهام از لباس‌های سوارکاری (Racing Silks)، فضای مسابقات سوارکاری را ایجاد کرد. هرچند Hermès زمانی کار خود را با ساخت زین آغاز کرده بود، این بار ایده‌ی مسابقات اسب‌سواری با هدف افزودن «قدرت و انرژی» به مجموعه به‌ کار گرفته شد.

ترکیب رنگی این کالکشن، عمدتاً از تناژهای تیره و خاکی نظیر قهوه‌ای تیره، سرمه‌ای و خاکستری تشکیل شده بود که همراه با رنگ‌های روشن‌تری مانند قرمز روشن، زرد و طیف‌های رنگی خاکستری، تضادی قابل توجه ایجاد می‌کرد. این رویکرد در کت‌های پشمی (تدی)، ژاکت‌های مخمل و کت‌وشلوارهای چرمی هم مشهود بود. پلیورها و ژاکت‌های زیپ‌دار با نقوش هندسی گوشه‌دار، از جمله الگوهای چندضلعی یا مثلثی، از دیگر عناصر شاخص این مجموعه بود. این طرح‌ها از لباس‌های سوارکاران الهام گرفته شده و با معماری بلندمرتبه‌ی Palais d’Iéna که محل برگزاری نمایش بود، هم‌خوانی داشت. در برخی آیتم‌ها، ترکیب رنگ‌های مشکی، آبی و سفید یا زرد کنار الگوهای دیگر، فرم پازلی و ترکیبی را ایجاد کرده بود.

Nichanian اعلام کرد این فصل، از پارچه‌های کمتری در حجم لباس‌ها استفاده کرده تا خطوط کلی لباس‌ها ساده‌تر و سبک‌تر باشند. حتی کت‌وشلوارهای راه‌راه خاکستری هم با برش‌های ظریف دوخته شده بودند تا وزن اضافه‌ی پارچه حذف شود. با این حال، بالاکلاوا (Balaclava) و کیف‌های بزرگ به‌ عنوان جزئیاتی کاربردی با حال‌وهوای شهری در مجموعه دیده می‌شدند.جنبه‌ی کاربردی بودن لباس در Hermès همواره مورد توجه است؛ در این کالکشن نیز ترنچ‌کت‌های چرمی وجود دارد. رنگ‌های خنثی در کنار بافت‌ها و طرح‌های جدید، ویژگی این مجموعه‌ی زمستانی بودند. در مجموع، این کالکشن به تعادلی میان گرما، کاربردی بودن و فرم‌های نسبتاً مینیمال دست یافته است. از کت‌وشلوارهای رسمی تا پلیورهای هندسی، در این مجموعه رویکردی مشاهده می‌شود که هم وام‌گرفته از ریشه‌های برند است و هم به نیازهای روزمره‌ی پوشش مردانه پاسخ می‌دهد.

اگر به دنبال تجربه‌ی یک پرفورمنس هنری متفاوت هستید و از نمایش‌های خلاقانه‌ی مد لذت می‌برید، شوهای برند کیدسوپر (Kidsuper) انتخاب جذابی هستند. این برند با بازیگوشی و خلاقیت شناخته می‌شود و کولم دیلن (Colm Dillane) مؤسس آن، بر این باور است که بسیاری از ایده‌های خلاقانه از اشتباهات به وجود می‌آیند.

به‌عنوان مثال، بخشی از ایده‌ی مجموعه‌ی پاییز/زمستان ۲۰۲۵ کیدسوپر نیز از یک مشکل نشات گرفت. وقتی کمپانی سازنده‌ی کیف‌های کیدسوپر با تأخیر در تولید مواجه شد، تیم این برند با استفاده از خلاقیت خود، آیتم‌های غیرمنتظره‌ای مانند سیم تلفن و بلندگو را در طراحی لباس‌ها به کار گرفتند تا از برنامه‌ی خود عقب نمانند.

کانسپت اصلی این مجموعه، گردباد بود. دیلن پس از انجام تحقیقات گسترده در زمینه‌ی گردباد و هنرهای مرتبط با آن، با هنرمندی به نام دنیل ورتزل (Daniel Wurtzel) آشنا شد که در تولید طوفان مصنوعی تخصص دارد. ورتزل برای ران‌وی کیدسوپر دستگاهی طراحی کرد که گردباد مصنوعی ایجاد می‌کرد و به نمایش حسی آخرالزمانی می‌داد.

البته کانسپت گردباد فقط در طراحی صحنه‌ی نمایش به کار برده نشد و لباس‌ها هم طوری به نظر می‌رسیدند که انگار در یک گردباد ساخته شده‌اند. این حس با استفاده از تکنیک‌هایی مثل دوخت‌های ناتمام و لایه‌لایه پوشیدن لباس‌ها منتقل می‌شد. تکه‌دوزی و کلاژ پارچه که جزو امضای برند کیدسوپر هستند، نقش مهمی در این مجموعه داشتند و بر این حس آخرالزمانی تأکید می‌کردند.

مجموعه‌ی پاییز/زمستان ۲۰۲۵ کیدسوپر شامل ۴۹ لوک بود که بخشی از آن‌ها با همکاری برند ژاپنی BAPE طراحی شده بودند؛ برندی که به استایل خیابانی (Streetwear) شهرت دارد. هم‌چنین برای نخستین بار بخشی از پوشاک این مجموعه دارای لیبل ساخت ایتالیا بودند. با وجود ظاهر به‌هم‌ریخته‌ی لباس‌ها، این برند هم‌چنان بر کیفیت بالای دوخت و پارچه‌ها تأکید داشت و تعادلی بین بازیگوشی و دقت در جزئیات ایجاد کرد.

کیدسوپر همواره ارتباط نزدیکی با دنیای موسیقی داشته است؛ تا آن‌جا که سال گذشته، این برند استودیوی ضبط موسیقی خود را راه‌اندازی کرد. به همین دلیل، در میان مهمانان ویژه‌ی این شو، خواننده‌هایی مانند جی بالوین (J Balvin) و آنکل وافلز (Uncle Waffles) حضور داشتند. از چهره‌های سرشناس دنیای مد نیز می‌توان به گورام گواسالیا (Guram Gvasalia)، طراح برند Vetements، اشاره کرد.

کالکشن پاییز/ زمستان ۲۰۲۵ برند Kenzo با طراحی Nigo، بار دیگر توانایی او در ایجاد ترکیبی از نوستالژی، هنر و مد معاصر را در The Palais de Chaillot پاریس به نمایش گذاشت. این مجموعه، داستانی از پیوند فرهنگ‌ها و خلاقیت‌های شرق و غرب بود. یکی از نقاط برجسته‌ی این فصل، همکاری نیگو با اسطوره‌ی گرافیتی نیویورک، یعنی Futura بود که با نمادهای خاص خود، مانند پترن اتم روی لباس‌ها، جذابیت کالکشن را بیشتر کرده بود. این طرح‌ها با تکنیک اسپری روی قطعات اجرا شده بودند. از مهمانان ردیف اول این نمایش می‌توان به فارل ویلیامز، خود Futura و رپر Nle Choppa اشاره کرد.

مجموعه‌ی پاییز/زمستان ۲۰۲۵ کنزو که الهام‌گرفته‌شده از Train Show معروف کنزو در پاییز/زمستان ۱۹۹۸ بود، سفری آینده‌نگرانه از شرق به غرب را بازگو می‌کرد. نیگو با بازآفرینی کیمونو و لباس‌های کلاسیک، هویت جدیدی به پوشش سنتی ژاپن بخشیده بود. او هم‌چنین برای طراحی این کالکشن، از داستان‌ها و خاطرات شخصی‌ خود نیز بهره گرفته بود؛ برای مثال الهام از یک تیشرت با طرح رز که پل مک‌کارتنی در دیدارش با شان لنون پوشیده بود یا خاطرات نوجوانی نیگو از آرزوی خرید کتانی‌های Patrick Cox.

یکی از جذاب‌ترین عناصر این کالکشن که در ۴۰ لوک به نمایش درآمده بود، توجه به جزئیات بافت و طراحی‌های نوستالژیک بود؛ بافت موهر، دوخت‌های sashiko و استفاده از پترن‌های گل‌دار عناصر اصلی این مجموعه بودند. اکسسوری‌ها نیز نقطه‌ی اوج خلاقیت و الهام‌گیری از فرهنگ و زندگی روزمره‌ی ژاپن و نیویورک در دهه‌ی ۹۰ بودند؛ از کیف‌های دستی که فضای خرید روزمره را تداعی می‌کردند تا بگ‌هایی برای نان باگت و بطری‌های نوشیدنی.

این مجموعه، برخلاف کالکشن فصل قبل، طرح‌های زنانه نداشت و نیگو نگاه عمیق‌تری به طرح‌های مردانه با تمرکز بر المان‌های ژاپنی-آمریکایی و طراحی‌های کاربردی داشت. کالکشن پاییز/زمستان ۲۰۲۵ کنزو نه‌تنها ادای احترامی به میراث کنزو بود، بلکه نمادی از گذر زمان و پیوند خلاقیت‌های میان دو فرهنگ و دو جهان متفاوت نیز محسوب شد.

کیم جونز این فصل در محوطه‌ی تاریخی اکول میلتر و با پس‌زمینه‌ی برج ایفل، کالکشن پاییز–زمستان ۲۰۲۵–۲۰۲۶ مردانه‌ی دیور را به‌ نمایش گذاشت و برخلاف فصل‌های گذشته که بیشتر به طرح‌های سیال و بی‌مرز در جنسیت گرایش داشت، رویکردی مردانه‌تر و ساختارمندتر را برگزید.

ایده‌ی اولیه‌ی او، با مراجعه به «Ligne H» کریستین دیور شکل گرفت؛ سیلوئت پس از جنگ که در اصل برای ساده‌سازی پوشاک زنانه طراحی شده بود، اما این‌بار به‌ صورت خطوط منظم در لباس‌های مردانه بازآفرینی شد. جونز به تحول تاریخی پوشاک مردانه نیز اشاره کرد و با تمرکز بر گذار از تزئینات پرزرق‌وبرق قرن هجدهم به سادگی کاربردی قرن نوزدهم، ساختار و برش‌های زاویه‌دار را به‌جای فرم‌های نرم‌تر به‌ کار گرفت.

در این کالکشن، جزئیاتی مثل بمبر چرمی مشکی با ظاهری مینیمال و کت‌های اپرا-کِیپ الهام‌گرفته‌شده از آرشیو کوتور زنانه‌ی دیور، اما در فرم کاملاً مردانه، جلوه‌ی خاصی داشتند. بوت‌های چرمی براق که با روبان‌های ساتن تزئین شده بودند (به نام «Bow Caps»)، میان سادگی و تزئینات کوتور نوعی تعادل ایجاد کردند. ردای بلند صورتی برگرفته از طرح «Pondichery» سال ۱۹۴۸ با گلدوزی‌های درخشان و اسنیکرهای هیبریدی با موتیف‌های آرشیو ۱۹۶۱ دیور نیز بُعد تازه‌ای به این مجموعه اضافه کردند تا ضمن حفظ جنبه‌ی کلاسیک، ظاهری امروزی‌تر و جوانانه پدید آید. تعداد لوک‌ها به‌ طور رسمی اعلام نشد، اما تنوع در فرم و استایل، از کت‌وشلوارهای کلاسیک تا آیتم‌های دکوراتیو، نشان می‌داد طراح قصد داشته طیف گسترده‌ای از استایل‌های روزمره تا رسمی را پوشش دهد.

محیط مینیمال و تقریباً استریل با راه‌پله‌ی سفید و زاویه‌دار، با فضای کالکشن هم‌خوانی داشت و با حذف عناصر اضافه، توجه را به خطوط دقیق لباس‌ها معطوف می‌کرد. در ردیف اول، Kate Moss و Robert Pattinson در کنار چهره‌هایی مانند Louis Garrel, Nam Joo-hyuk, J Balvin, Gwendoline Christie و ستاره‌های آسیایی Apo Nattawin و Mile Phakphum، جلوه‌ی بین‌المللی مراسم را دوچندان کردند و حضورشان تأثیر فرهنگی گسترده‌ی دیور را یادآوری کرد. بسیاری از حاضران درباره‌ی تغییر لحن کالکشن صحبت می‌کردند و آن را «شارپ‌تر و زمینی‌تر» از طراحی‌های قبلی جونز می‌دانستند. برخی نیز احتمال دادند این تغییر، یا ناشی از تصمیم هنری شخص کیم جونز است یا فشاری از سوی مدیریت دیور برای بازگشت به کدهای کلاسیک مردانه‌ی قابل فروش‌تر.

این نمایش، برای کیم جونز یک نقطه‌ عطف دیگر هم داشت: دریافت نشان «شوالیه‌ی لژیون دونور» از آنا وینتور. این افتخار که پیش از این به شخصیت‌هایی مانند والنتینو گاراوانی و دلفین آرنو اعطا شده، برای یک طراح غیر فرانسوی ارزشمند تلقی می‌شود. از سوی دیگر، او اخیراً اعلام کرده از بخش طراحی زنانه و کوتور فندی کنار می‌رود و همین مسئله شایعاتی درباره‌ی احتمال پیوستن او به خانه‌های مد دیگر، به‌ خصوص بربری، به وجود آورده است. هرچند برخی معتقدند گروه ال‌وی‌ام‌اچ به‌ سادگی اجازه‌ی ترک دیور را به او نمی‌دهد.

کیم جونز در گفت‌وگوهای کوتاه پس از شو تأکید کرد که «لزوماً به دنبال بازآفرینی تاریخی نیستیم و می‌خواهیم چیزی درباره‌ی اکنون بگوییم.» با این‌ حال، ارجاعات آشکار به دوره‌های مختلف تاریخ دیور و پرداختن به دگرگونی لباس مردانه در سده‌های گذشته، امضای این کالکشن شد. از نظر ویژگی‌های اجرایی، او تلاش کرده است میان طراحی ساختارمند و تزئینات ظریف، پلی بزند و در نهایت، نتیجه‌ی آن مجموعه‌ای باشد که هم از بُعد زیباشناختی و هم از نظر کاربرد، انتظارات را برآورده کند.

برخلاف مجموعه‌های آینده‌نگر قبلی برند جونیا واتانابه، این برند ژاپنی در مجموعه‌ی مردانه‌ی جدید خود، آمریکای کلاسیک را به شیوه‌ای مدرن و متفاوت به تصویر کشید. فضای این مجموعه، با استفاده از پوسترهای برند آمریکایی Filson  که روی دیوارهای سالن نصب شده بودند، شبیه به یک محیط جنگلی و روستایی به نظر می‌رسید. برند فیلسون از تولیدکنندگان قدیمی پوشاک مناسب طبیعت گردی و فضای باز است. در همکاری جونیا واتانابه با این برند، ویژگی‌های سنتی و فرهنگی با طراحی‌های مدرن و نوآورانه تلفیق شدند.

در نگاه اول، لباس‌های این مجموعه، آشنا و تکراری به نظر می‌رسند. کت‌های مخصوص شکار، شلوارهای چهارخانه و پیراهن‌های مناسب چوب‌بری، همگی یادآور لباس‌هایی هستند که در محیط‌های روستایی و کار در فضای باز استفاده می‌شوند. با این حال، با نگاهی دقیق‌تر به مجموعه متوجه می‌شویم که واتانابه با استفاده از پارچه‌های بادوام و مقاوم مثل چرم و کتان، هم‌چنین به کار بردن جزئیاتی مثل جیب‌های بزرگ و برش‌هایی که به راحتی و تحرک بیشتر کمک می‌کنند، هر آیتم را به شیوه‌ای جدید بازطراحی کرده است.

استفاده از مدل‌های مُسن‌تر در هفته‌های مد اخیر به یک روند قابل توجه تبدیل شده است. جونیا واتانابه نیز از این فرصت بهره برد و با انتخاب مدل‌هایی با موهای سفید، ریش‌های بلند و چهره‌هایی پر از تجربه، نشان داد که مد محدود به سن خاصی نیست و استایل می‌تواند با بالا رفتن سن، تکامل یابد.

واتانابه در مجموعه‌ی پاییز و زمستان خود با برقراری تعادل میان استایل شهری و روستایی نشان داد که مد می‌تواند مانند پل ارتباطی بین گذشته و حال، سنت و مدرنیته و به خصوص بین نسل‌های مختلف، عمل کند.

برند Amiri در هفته‌ی مد مردانه‌ی پاریس، مجموعه‌ای ارائه داد که بازگشتی جسورانه به استایل‌های ماندگار هالیوودی در دهه‌ی ۶۰ و ۷۰ میلادی بود. این مجموعه، که برای اولین بار شامل لباس‌های زنانه نیز می‌شد، نگاهی نو به عناصر کلاسیک و پرزرق‌وبرق هالیوود قدیم داشت. ردیف اول این نمایش، میزبان افراد مشهوری چون JES، BIBLE، David، Sunwoo و Ed Wetwick بودند که استایل‌هایشان با فضای خاص مجموعه کاملاً هماهنگ بود.

مایک امیری، با الهام از نوستالژیک‌ترین مکان‌های لس‌آنجلس مانند کافه Formosa، هتل Roosevelt و لابی تئاتر چینی Grauman، فضایی خیالی از زندگی شبانه‌ی هالیوود دهه‌ی ۶۰ و ۷۰ را در ۵۰ لوک، بازآفرینی کرد. یکی از ویژگی‌های برجسته‌ی این مجموعه، ارائه‌ی لباس‌های زنانه در کنار لباس‌های مردانه بود که برای اولین بار در برند امیری اتفاق می‌افتاد. امیری در رابطه با این مجموعه توضیح داد: «داستانی که می‌خواستم بگویم، روایت هالیوود از دیدگاه محلی‌ها بود؛ برای همین از مکان‌هایی مانند کلوب‌های کوچک و بارهایی که حتی در همان زمان هم نوستالژیک بودند، الهام گرفتم. می‌خواستم ابتدا از این فضاها برای ساخت شخصیت‌ و کاراکترها استفاده کنم؛ در آن اغراق کنم و سپس به سراغ سیلوئت‌ و تکنیک‌ بروم.» این نوستالژی، با توجه به آتش‌سوزی‌های اخیر کالیفرنیا که خانه‌ی امیری و خانواده‌اش را نیز تهدید کرد، به طور ناخواسته تأثیری احساسی و معنادار بر مجموعه داشت.

امیری در طراحی این مجموعه بازگشتی به گذشته‌ی خود نیز داشت؛ بازگشت به ۱۵ سال پیش و زمانی که با تولید لباس‌های اجرا برای هنرمندان، شلوار جین و تی‌شرت در یک گاراژ در لس‌آنجلس، کار خود را آغاز کرد. آن‌چه واقعاً به‌ عنوان امضای امیری (از گذشته تا امروز) در این کالکشن برجسته بود، گلدوزی‌های درخشان روی لباس‌های بافتنی او بود که درخشش ستارگان و پرتوهای خورشید را تداعی می‌کردند. مجموعه‌ی Amiri برای پاییز–زمستان ۲۰۲۵ نه‌تنها ادای احترامی به میراث فرهنگی هالیوود است، بلکه تلاشی برای بازآفرینی نوستالژی‌ها برای نسل جدید نیز محسوب می‌شود. این مجموعه، با طراحی‌هایی که میان هنر، تاریخ و کیفیت معاصر توازن ایجاد کرده‌اند، به آینده‌ای پرزرق‌وبرق برای برند اشاره داشت.

در سومین روز از هفته‌ی مد مردانه‌ی پاریس برای پاییز-زمستان ۲۰۲۶-۲۰۲۵، برند Issey Miyake از مجموعه‌ی خود با نام Fly With IM MEN در Refettorio dei Cordeliers رونمایی کرد. این مجموعه تحت نام جدید IM MEN در فضایی ارائه شد که در آن فقط از نور سفید استفاده شده بود و یک بازوی مکانیکی که تکه‌ای پارچه را حرکت می‌داد نیز در وسط ران‌وی قرار داشت.

مجموعه‌ی پاییز/زمستان ۲۰۲۵ (FW25) برند Issey Miyake، گامی جسورانه در ادامه‌ی میراث ایسی میاکه‌ی فقید بود و نقطه عطفی در مسیر خلاقانه‌ی این برند محسوب می‌شود؛ چرا که از خط جدید IM Men برای اولین بار به‌ صورت بین‌المللی رونمایی شد. IM MEN امسال در هفته‌های مد، جایگزین خط موفق Homme Plissé Issey Miyake شده است که از سال ۲۰۱۹ در پاریس ارائه می‌شد. خط تولید IM Men -که در سال ۲۰۲۱ تحت هدایت مستقیم ایسی میاکه راه‌اندازی شد- بر اساس ادغام طراحی و مهندسی بنا شده است و نامش به خط تولید متوقف‌شده‌ی im product (فعال در دهه‌های ۷۰ تا ۹۰ میلادی) اشاره دارد.

طراحان خلاقِ خط جدید IM MEN، تیم سه‌نفره‌ی سن کاواهارا، یوکی ایتاکورا و نوبوتاکا کوبایاشی هستند. این لاین، زیرمجموعه‌ی ایسی میاکه است که بر ترکیب تکنولوژی پیشرفته، طراحی تجربی و مواد پایدار تأکید دارد. نمایش نمادین “Fly with Issey Miyake” در سال ۱۹۷۷ نیز  الهام‌بخش این مجموعه بود که مفهوم حرکت، سبُکی و تعامل پارچه با بدن را به تصویر می‌کشید؛ هم‌چنین فلسفه‌ی اصلی برند یعنی “پوشیدن یک قطعه پارچه” را نیز با ترکیب هنر، فناوری و کاربرد معرفی کرد.

در این مجموعه که شامل ۳۹ لوک بود، از مواد نوآورانه‌ای مانند نایلون و جیر گیاهی و هم‌چنین از طیف رنگ‌های ساده‌ اما غنیِ ژاپن مانند مشکی، سفید، قهوه‌ای و رنگ‌های زنده استفاده شده بود. طراحی‌های این مجموعه نیز با الهام از هنر اوریگامی ژاپنی و زیبایی‌شناسی غربی، ارتباطی فلسفی بین فرهنگ‌های شرقی و غربی ایجاد کردند. یکی از نکات برجسته‌ی این کالکشن، اکسسوری‌هایی مانند شال، کلاه و هم‌چنین کلاه‌هایی با گوش‌گیرهای بلند بود.

فشن‌شو ایسی میاکه با حرکتی نمایشی به پایان رسید. مدل‌ها لایه‌ای از لباس‌های خود را جدا کرده و مانند شنلی بر سر گرفتند؛ سپس در حالی که این قطعات پارچه‌ای در هوا تکان می‌خوردند، مدل‌ها روی صحنه دویدند و نمایشی از فلسفه‌ی طراحی‌های میاکه ارائه دادند. مجموعه‌ی «با IM MEN پرواز کن» ادای احترامی به میراث ایسی میاکه و بیانیه‌ای در مورد آینده‌ی مد این برند بود؛ جایی که هنر و فناوری با هم به پرواز در می‌آیند. در نهایت می‌توان گفت که این مجموعه، رابطه‌ی بین بدن، پارچه و حرکت را به نمایش گذاشت.

مجموعه‌ی پاییز 2025 ریک اونز در هفته‌ی مد پاریس، بازتاب بخشی‌هایی از زندگی این طراح بود. ریک اونز در ۱۵سال‌ ابتدایی کار خود، اکثر روزها را در کارخانه‌ی کوچک کنکوردیا در ایتالیا می‌گذراند و شب‌ها را در هتلی ساده با کمترین امکانات که شبیه اتاق قاتلان سریالی بود، سپری می‌کرد. در تمامی این سال‌ها او همه‌ی وسایل خود را  در یک چمدان کوچک حمل می‌کرد. تجربه‌ی زندگی با حداقل امکانات و بی‌نیاز کردن خود از اشیاء غیر ضروری، الهام‌بخش او در مجموعه‌‌ی جدیدش بود.

لباس‌های این مجموعه با توجه به اصول زندگی این طراح بسیار کاربردی و راحت طراحی شده بودند. کت‌های پشمی بلند و کاپشن‌های چرمی واکس‌خورده، اگرچه کاملاً مناسب زندگی روزمره طراحی شده بودند، اما با جزئیاتی خاص مانند یقه‌های بلند و عریض دراکولایی و برش‌های آزاد و نامتقارن پارچه‌ها، حس مرموز و  قدرتمند همیشگی مجموعه‌های اونز را تداعی می‌کردند.

یکی از نقاط قوت مجموعه، بوت‌های جدید ریک اونز بودند که تحت عنوان Factory  (کارخانه) معرفی شدند. این بوت‌ها، برخلاف بوت‌های فوق‌العاده بلند و جنجالی گذشته، نسبتاً کوتاه‌تر بودند و با کفی‌های ضد‌لغزش، کاملاً مناسب کار در فضاهای صنعتی و کارخانه‌ای ساخته شده بودند. هم‌چنین تجربه‌های شخصی ریک اونز از سرمای طاقت‌فرسای اروپا، باعث شکل‌گیری شلوار‌های گرمکن این مجموعه شد. این شلوار‌ها با ساختاری متشکل از چند لایه پارچه‌های مقاوم و گرم مانند مخمل و دنیم‌های براق، از شما در برابر باد‌های سرد زمستانی محافظت می‌کنند .

ریک اونز با این کالکشن برای سفر زندگیِ شما یک چمدان ایده‌آل فراهم کرده است. شما با داشتن فقط چند آیتم از لباس‌های این مجموعه می‌توانید بدون نگرانی از سرما، سختی و چالش‌های روزمره، استایلی شیک و خیره‌کننده داشته باشید. او با این مجموعه نشان داد که لباس‌ها می‌توانند به ‌راحتی نیازهای اساسی را برآورده کنند؛ خلاقانه باشند  و مفاهیمی از زندگی شخصی افراد مختلف را نیز به همراه داشته باشند.

اولین روز از هفته‌ی مد مردانه‌ی پاییز- زمستان 2025 پاریس با فشن‌شو برند لویی ویتون به پایان رسید. این کالکشن با 84 لوک، مجموعه‌ای مشترک از فارل ویلیامز، مدیر خلاقیت برند لویی ویتون،  و نیگو، مدیر خلاقیت برند کنزو، بود که رابطه‌ی دوستی و حرفه‌ای آن‌ها به سال‌ها پیش بازمی‌گردد.

علاوه بر این رابطه‌ی دوستی و حرفه‌ای، یکی از دلایل اهمیت این همکاری و نتیجه‌ی منحصربه‌فرد آن در قالب این کالکشن، آن بود که در ابتدا فارل ویلیامز  نیگو را برای سمت مدیر خلاقیت لویی ویتون به این برند پیشنهاد داده بود؛ اما در نهایت به دلیل مشغولیت نیگو در برند کنزو، خود فارل ویلیامز به این سِمت رسید.

فارل ویلیامز درباره‌ی رابطه‌ی دوستانه‌ی خود با نیگو به WWD گفته است: “من هر روز از خواب بیدار می‌شوم و می‌دانم که یک برادر دارم؛ می‌دانم کسی را دارم که خیلی چیزها به من یاد داده است و هم‌چنان در کنار من است و ما در کنار هم هستیم.”

این مجموعه که “آینده را به یاد بسپار.” نامگذاری شده بود، در واقع  ترکیبی از امضای شخصی این دو هنرمند و میراث و ریشه‌های فرهنگی آن‌ها بود و در بسیاری از آیتم‌ها رابطه‌ی دوستی 30 ساله و خاطرات این دو طراح را به شکل‌های گوناگون ارائه می‌داد؛ برای مثال استفاده از رنگ صورتی پاستلی و المان شکوفه یادآور گل ساکورا و استفاده از فرم Gyoza (نوعی غذای سنتی ژاپنی شبیه به پیراشکی) در آیتم‌ها، نمادهایی از ژاپن و میراث فرهنگی نیگو در این کالکشن بودند. کلاه کپ به عنوان یکی از انتخاب‌های نیگو، طراحی مجدد از آیکونوگرافی لویی ویتون با موتیف‌های ژاپنی و چاپ طراحی پرتره‌ی این دو هنرمند روی آیتم‌ها از دیگر موارد منحصربه‌فرد این کالکشن به شمار می‌رفتند.

از سوی دیگر سیلوئت‌های Y2K مربوط به استایل خیابانی دهه‌ی 2000 به سال‌های اولیه‌ی  دوستی و همکاری این دو طراح اشاره داشت و استفاده از موتیف لابستر در بسیاری از آیتم‌ها، خاطره‌ی اولین ماهیگیری این دو دوست را تداعی می‌کرد که در آن موفق به گرفتن یک لابستر شده بودند.

اکسسوری‌های این کالکشن به ویژه کیف‌ها از جمله کیف اوریگامی به شکل لابستر، آویزهای کیف و زیورآلاتی با جزئیات هوشمندانه‌ و ظریف از دیگر موارد مهم در این کالکشن بودند.

هم‌چنین کفش جدید LV ButterSoft که ردپای هر دو لنگه‌ی آن کاملاً مشابه و نمادی از جدایی ناپذیری یک جفت است، از آیتم‌های قابل توجه این کالکشن بود.

موسیقی متن این فشن‌شو مانند تمامی فشن‌شوهای فارل ویلیامز از اهمیت خاصی برخوردار بود و 3 قطعه‌ی اورجینال از خود فارل ویلیامز را شامل می‌شد.

طراحی صحنه‌ی این فشن‌شو هم که توسط کمپانی طراحی WonderWall انجام شده بود، شامل 24 ویترین مملو از آثار لویی ویتون بود که فشن و فرهنگ را به نمایش می‌گذاشتند.

در نهایت باید گفت که این دو هنرمند با استفاده از آرشیو لباس‌های کار قرن بیستم نیگو و ترکیب آن با سبک فارل ویلیامز، کالکشنی از استایل خیابانی و دندیسم خلق کرده بودند که جزئیات بسیاری داشت و مورد تحسین منتقدان و سلبریتی‌های حاضر در ردیف اول این فشن‌شو از جمله کالم ترنر، ادریس البا، تراویس اسکات، آدرین برودی و بردلی کوپر قرار گرفت.